Contrepartie : Les étudiants photographient les étudiants

Publication : 15 septembre 2021

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Le projet Counterpart : Les étudiants photographient les étudiants a été inauguré la semaine dernière à la Warren G. Flowers Art Gallery. Rhonda Meier, administratrice de la galerie, a posé 7 questions à l'un des organisateurs du projet, Peter Berra.

RM. Racontez-moi comment ce projet a vu le jour. J'ai cru comprendre qu'il avait débuté dans votre cours de photo de première année ?

PB. À l'automne 2018, j'enseignais un cours de première année intitulé Camera Works II, et une partie de ce cours consistait à parler de la fonction des objectifs d'appareil photo. Je leur avais présenté l'artiste de rue français JR, qui utilisait des objectifs grand angle contre les visages des gens pour les déformer, les transformant ainsi en personnages presque comiques d'eux-mêmes. Les étudiants semblaient avoir été séduits par le travail de JR et j'ai donc suggéré que s'ils souhaitaient réaliser un projet similaire, nous pourrions essayer de le faire ici, à Dawson. Un étudiant, Abigaïl Nolet, est venu me voir après le cours et m'a dit "oui, faisons-le !". Nous avons échangé quelques idées et elle a suggéré de photographier les enseignants de Dawson. Nous avons échangé des idées et elle a suggéré de photographier les professeurs de Dawson. Je me suis dit que puisque les professeurs recevaient beaucoup d'attention, pourquoi ne pas se concentrer sur les élèves - après tout, si ce n'était pas pour les élèves, aucun d'entre nous ne serait ici en premier lieu ! Dans le contexte de JR, ses photos, à l'époque où j'ai montré son travail, visaient à déformer les visages de personnes marginalisées, souvent dans les ghettos parisiens. Dépeints comme des personnes effrayantes et menaçantes dans les médias, il les a photographiés tels qu'ils étaient décrits, alors qu'ici, à Dawson, nous avons capturé les étudiants tels qu'ils étaient, célébrant leur présence dans nos vies quotidiennes.

Le projet a été mis en œuvre au printemps 2019, à la fin du semestre d'hiver 2019, dans le cadre du cours Photo Studio 2. David Hopkins et moi-même avons chacun enseigné une section - nous avons décidé d'un titre de projet et l'avons assigné comme activité de classe. Cela semble simple, mais il y avait beaucoup de choses à prendre en compte.

Nous espérions qu'une fois les travaux terminés, nous pourrions exposer ces portraits dans tout Dawson, mais il était difficile d'attirer l'attention. Puis Covid est arrivé et le projet a été mis de côté. Mais le laps de temps qui s'est écoulé entre le moment où le projet a été conçu et aujourd'hui a été une bénédiction cachée. J'ai appris que le travail doit souvent vieillir avant de pouvoir être vu, surtout lorsqu'il s'agit du processus d'édition ; le résultat aurait été très différent si nous avions montré le travail tout de suite, et je suis donc reconnaissante que les choses se soient passées de cette manière.

RM. Comment David et vous avez présenté la mission à vos classes ?

PB. En termes de style, nous avons pensé à la série de Richard Avedon sur l'Ouest américain, dans laquelle il utilisait une lumière ambiante douce et uniforme - comme celle que l'on trouve souvent à l'ombre lors de journées ensoleillées - et qu'il utilisait pour photographier les gens de tous les jours. La lumière uniforme était parfaite pour représenter tous les types de personnes, un traitement direct qui leur donnait une voix égale tout en amplifiant leurs voix distinctes de manière percutante. David et moi avons choisi le noir et blanc parce que la couleur pouvait être trop forte.

RM. Les étudiants s'installaient donc n'importe où dans le collège ?

PB. Oui. Essentiellement tout endroit sans lumière directe du soleil, le couloir du théâtre, la cafétéria. L'une des seules limites était la lumière du jour - le soleil ne devait pas être trop direct. Ensuite, nous leur avons demandé de chercher quelqu'un qu'ils ne connaissaient pas, qui était leur parfait opposé, en laissant l'interprétation de ce choix à l'étudiant.

Chaque étudiant était responsable du traitement de sa propre image ; cependant, pour l'exposition, il était important de retraiter les images à nouveau pour donner un aspect cohérent à l'ensemble. En raison de la pause, ce processus était également nécessaire pour me réintroduire dans le projet. Notre programme est parfois technique, ce qui ne favorise pas toujours les moments spontanés. Et cette impulsion de corriger l'image fait partie d'une dynamique de pouvoir entre le photographe et le sujet. À ce stade, ces exigences n'étaient plus obligatoires, et le ruban adhésif, la brique apparaissant à l'arrière-plan, la peluche sur un pull insufflent un peu de vie aux portraits, alors que s'il s'était agi d'une commande, ces types d'éléments auraient peut-être été supprimés.

RM. Selon vous, qu'est-ce qui fait la réussite d'une photographie dans ce contexte ?

PB. Ne pas avoir d'ego - il ne s'agit pas de ma photo, mais de savoir si elle peut être ajoutée à ce groupe, à cette communauté. Il ne s'agit pas d'une personne ou d'un photographe en particulier. Sans cette collaboration, ce projet n'aurait jamais vu le jour. Il s'agit de la complicité entre les étudiants et leurs photographes.

RM. Avez-vous des préférences personnelles ?

PB. Oh, c'est comme si on vous demandait qui est votre enfant préféré ! Je ne peux pas répondre. Mais j'admire la fille au foulard et à la chemise à fleurs, qui tient son doigt dans sa main. Se laisser enregistrer par quelqu'un d'autre est un acte de grande vulnérabilité. Alors, même si elle peut donner l'impression d'être timide, elle fait preuve de bravoure.

RM. Comment avez-vous choisi les images de la galerie ?

PB. J'ai demandé aux étudiants de soumettre leurs fichiers originaux - le négatif numérique, qui m'a permis de les ramener à leur forme originale. Ils ont tous été mis en commun de manière anonyme. J'ai alors commencé à travailler sur ceux qui avaient le plus d'impact. J'ai fait des duplicatas et j'ai regardé longuement les formes, puis j'ai fait une sélection. En juillet, j'ai commencé avec 145 images, j'en ai réduit le nombre à 90, puis j'ai fait un sondage auprès de trois personnes que je respectais. Elles ont choisi à peu près les mêmes images, mais chacune en a choisi une qui m'a surpris. Je suis un admirateur du compositeur américain John Cage, qui utilisait le hasard et l'impulsion afin d'éliminer autant que possible les préjugés dans son travail. Pour la sélection finale, j'ai donc fait de même...

RM. Lors de l'impression et de l'accrochage de l'exposition, vous avez fait des choix peu conventionnels : vous avez imprimé sur du papier très léger et laissé les bords inférieurs libres ...

PB. Je ne vois pas cela comme une exposition conventionnelle, ce qui me permet de faire les choses différemment. L'idée originale était de coller les images sur un mur à Montréal. Mais je ne voulais pas mettre ces images dans une position aussi vulnérable. Si les gens entrent dans la galerie, je veux que le bord d'une photo se soulève et se présente au spectateur, presque comme une sorte de danse. Cela nous ramène également au moment original où une rafale de vent a pu tirer le papier de fond ou faire voler une mèche de cheveux dans un geste gracieux. Cela devient une suggestion subliminale.

En ce qui concerne le papier, je suis fasciné par le papier de tous les jours - il prouve que tout le monde peut le faire.