Mythologies inquiétantes d'Anna Williams
Anna Williams est une artiste visuelle basée à Odawa/Ottawa. Sa première exposition à Montréal, An Unquiet Mythology, présente des sculptures en bronze et des gravures complexes à la Warren G. Flowers Art Gallery jusqu'au 22 octobre. Un jeudi soir, deux étudiants en arts visuels, Ella Gauthier et Alessandro Ruvo, ont eu l'occasion de poser quelques questions à Anna (elle/ils).
EG : Le bronze est un matériau très difficile à travailler. Il peut être vraiment frustrant à gérer, mais vos pièces sont merveilleusement faciles à réaliser. Pourquoi avez-vous choisi ce médium malgré ses inconvénients ?
AW: Ma mère était potière, j'ai donc grandi en travaillant l'argile. Des dizaines de pièces se sont cassées à la cuisson parce que je repoussais toujours les limites de l'argile. Lorsque je suis entrée à l'école des beaux-arts, ma mère m'a dit : "Il faut que tu ailles dans un endroit où il y a une fonderie". L'avantage d'avoir étudié dans une fonderie, c'est que j'ai appris toutes les étapes du processus (moules en cire et en caoutchouc) - je peux donc tout faire, sauf couler le métal dans les moules.
J'ai appris à comprendre le matériau et à créer des figures plus complexes, mais en même temps, l'argile et le métal sont très similaires. La sculpture de la cire pour le bronze est un équilibre entre le chaud et le froid, tandis que l'argile est un travail sur l'humide et le sec. Les deux peuvent être utilisés pour créer des formes organiques, et les deux ont leurs inconvénients. J'avais une connaissance initiale du travail avec ces matériaux, et ma relation avec le bronze devait se faire d'une certaine manière, cela avait du sens pour moi et tout s'est mis en place.
EG : On a dit que vous aimiez utiliser des matériaux naturels pour créer des impressions en relief, des sculptures et d'autres œuvres. Pourquoi aimez-vous utiliser ces supports uniques et quels sont vos travaux préférés ?
AW: Je suis toujours à la recherche de moyens permettant aux gens d'avoir des points de vue différents. Historiquement, le bronze a été utilisé pour créer des armes et des monuments commémoratifs pour des hommes puissants qui ont fait des choses terribles aux gens. J'ai l'impression qu'il y a un pouvoir dans le fait de travailler avec le bronze, de changer ce récit et de prendre ce pouvoir entre mes mains.
J'ai créé une pièce (qui ne fait pas partie de l'exposition) composée de feuilles de bronze moulées individuellement. J'aime le sens que l'on peut donner à cette pièce, qui rappelle les souvenirs d'enfance où l'on saute dans des tas de feuilles à l'automne. Un tas de feuilles peut presque agir comme un coussin - en tant qu'enfant, vous sautez avec insouciance dedans - mais une fois coulé dans le bronze, il devient presque une arme. Les pointes deviennent tranchantes et dangereuses, et cette idée contradictoire m'intéressait. L'innocence de l'enfance qui consiste à sauter dans un tas de feuilles, mais une fois qu'elles sont coulées dans le bronze, cela entre en conflit avec nos souvenirs sûrs.
EG : Le bronze est un médium difficile à utiliser. On le trouve le plus souvent dans des pièces de grande taille, mais vous avez réalisé de nombreuses petites œuvres complexes. Qu'est-ce qui vous pousse à choisir une petite échelle et quels sont les défis que vous avez rencontrés en réalisant ces pièces ?
AW: Le bronze convient bien aux pièces de grande taille, mais j'aime travailler avec des formats plus petits parce qu'il y a une intimité qui contraste joliment avec le poids du matériau. J'aime m'approcher de mes pièces et les faire tenir facilement sur mes genoux, mais j'aime aussi beaucoup l'aspect contradictoire de la chose. Lorsqu'on prend une petite œuvre en bronze, on ne s'attend pas à ce qu'elle soit lourde, comme une feuille par exemple. Elle est vulnérable et intime, mais une fois coulée dans le bronze, elle devient pratiquement indestructible. La fonte en bronze perturbe ces attentes et oblige le spectateur à reconsidérer ses hypothèses sur les hiérarchies et la permanence.
AR : En faisant des recherches sur votre parcours, je suis tombée sur une déclaration dans le magazine Ottawa Life qui disait que vous travailliez comme pilote et que vous poursuiviez des études scientifiques. Vous avez déclaré catégoriquement que vous ne souhaitiez pas faire carrière dans l'art, et pourtant vous ne semblez jamais pouvoir vous en éloigner. Même si vous avez été élevé dans un environnement qui encourageait la créativité, pensez-vous que vos expériences dans ces autres domaines de la vie ont façonné votre façon de faire de l'art ?
AW : Il est difficile de savoir ce qui aurait été différent. Mes frères et sœurs et moi-même avons grandi dans un foyer axé sur les arts et les sciences. Ma mère est potière de métier et mon père est médecin, et les valeurs traditionnelles d'un système éducatif formel m'ont orientée vers les sciences, mais heureusement, ma famille m'a encouragée à aller à l'encontre des courants dominants pour explorer l'art. L'un de mes frères s'est orienté vers le design industriel, un autre vers l'architecture, et moi vers les beaux-arts. D'une certaine manière, nous avons tous trouvé un terrain d'entente entre les sciences et les arts, impliquant la planification, la résolution de problèmes et la pollinisation croisée entre les médiums dans nos processus.
AR : Les œuvres présentées dans votre série de sculptures She Wolves brouillent les frontières entre les humains et les animaux qu'ils ont placés au-dessus d'eux. De même, l'exposition Remedy organise des éléments de la nature d'une manière qui rappelle les pratiques de l'apothicaire. À partir de ces exemples, parmi d'autres, j'ai voulu poser la question suivante : quelle est, selon vous, la relation entre la création artistique et la création naturelle ?
AW : Je pense que cela diffère d'un artiste à l'autre. Cela nous rappelle la création primitive, l'insouciance de la nature. La répétition n'a pas d'importance ; la nature ne se préoccupe pas de savoir s'il a plu hier ou s'il faisait sec, les choses se passent comme elles se passent. Il y a là une métaphore de la créativité et de ce que nous faisons dans l'art ; le monde est indifférent à ce qui se passe dans l'atelier. Le monde est indifférent à ce qui se passe dans l'atelier. L'aspect brut de la nature est quelque chose que j'espère retrouver dans l'art d'une manière ou d'une autre.
AR : Une grande partie de votre travail comporte des aspects tirés de la mythologie grecque. Je ne peux m'empêcher de vous demander pourquoi vous avez choisi ces mythes et ces histoires en particulier pour les adapter à votre travail ?
AW : Vers 2015-2016, il y a eu une sorte de régression dans la manière dont les femmes étaient traitées dans la société. Tout cela a atteint son paroxysme lors du mouvement #MeToo. Voir tant de ces hommes de pouvoir qui avaient fait des choses terribles être protégés, m'a donné la nausée. J'avais lu des ouvrages de penseurs féministes sur la construction de la féminité, et cela m'a amenée à regarder les vases grecs et la façon dont les femmes ont été laissées de côté dans tant d'histoires que l'on nous enseigne. Je me suis même penchée sur la Renaissance et le XVIIIe siècle, ces périodes classiques d'où provient une grande partie de notre langage, et j'ai remarqué que les femmes étaient mises de côté dans ces mythes au profit de la construction de l'archétype du héros. Des récits comme celui d'Hercule se concentrent sur ses exploits, au détriment d'aspects tels que son syndrome de stress post-traumatique ou la façon dont il a assassiné ses fils et sa femme, Mégara. Cet effacement a pu toucher des hommes également, mais ce n'est pas à moi de raconter ces histoires. Il suffit de regarder Hillary Clinton et la façon dont elle est traitée pour se rendre compte que les femmes sont censées maintenir une norme qui est tellement irréaliste. Nombre de ces attitudes sont ancrées dans la société contemporaine - elles découlent des philosophes grecs misogynes et des versions déformées de la mythologie grecque que nous connaissons aujourd'hui. Travailler dans le style de la Renaissance m'a parfois mise mal à l'aise. J'ai tendance à réfléchir à la manière dont je peux amener des personnes d'affiliations et de milieux politiques et culturels complètement différents à prêter attention ou à reconnaître le vocabulaire de mon travail. Les histoires de la mythologie grecque et les sensibilités sont si convaincantes et familières aux gens, et c'est ce qui me permet de leur couper l'herbe sous le pied avec mon travail. Ces histoires ont créé un récit de peur qui a transformé les femmes en personnes capables de détruire le foyer et leurs images. Je peux utiliser ces histoires pour atteindre un public plus large et rendre possible la présentation de mon point de vue à leur sujet. Mais je ne suis pas la réponse, je n'ai pas la réponse !
AR : Les téléspectateurs doivent créer leurs propres réponses !
Une fois que les élèves ont fini de poser leurs questions, ils poursuivent leur conversation de manière un peu plus informelle. Au cours de cette conversation, Anna a posé une question à tout le monde. C'est une question que sa mère lui posait chaque fois qu'elle visitait des expositions avec elle : "Qu'est-ce que tu volerais dans cette exposition, et pourquoi ?". La question est intéressante et encourage le point de vue du spectateur et son expérience subjective de l'œuvre.
Lorsqu'on a posé la question à Anna, elle a répondu : "Même si je suis l'artiste, je fais des œuvres que je n'ai pas les moyens d'acheter ! Parmi les œuvres de An Unquiet Mythology, Mme Williams a déclaré qu'elle volerait Remedy, citant des raisons telles qu'un passé de maladie mentale dans sa famille, la réalisation de cette œuvre et le fait de la considérer comme une partie du processus de guérison, ainsi que la relation permanente qu'elle continue d'entretenir avec la santé mentale. Elle dit qu'il y a une monumentalité imprégnée dans cette œuvre et note que sa fragilité et sa délicatesse font de Remedy son œuvre de prédilection.
