Réassemblage : Emboldening the Temporal, expose les travaux d'anciens étudiants, réunis par leur professeur Giuseppe (Joe) Di Leo (ancien élève en 1975, retraité de la faculté en 2017). L'exposition, visible jusqu'au²⁷ novembre, met l'accent sur le partage d'idées à travers des formes de dessin diverses et variées. Lisez ce que Joe et son ancienne élève Sheena Hoszko (alumna 2001) ont à dire sur ce que cette exposition représente pour eux.

Questions posées par Olivia MacIntosh et Tristan Boisvert-Larouche, étudiants à Arts visuels

T.L.-B. : (les deux artistes) Quel effet cela fait-il d'être réuni à Dawson non pas en tant qu'étudiant/enseignant mais en tant que co-contributeur à une exposition d'art ?

Joe : C'est vraiment, vraiment gratifiant. En tant qu'instructeur, j'ai enseigné à toutes ces personnes il y a des années, et c'est formidable d'être avec elles aujourd'hui, après leur avoir enseigné pendant leurs années de formation. C'est gratifiant d'être à nouveau avec eux. J'étais leur instructeur, mais je suis maintenant sur un pied d'égalité avec eux parce que la relation mentor-mentoré, dans le contexte de cette exposition, a été dépolitisée. Je me sens à l'aise et j'espère qu'ils se sentent également à l'aise d'exposer avec moi. C'est comme une famille que l'on embrasse dès le début et dont on est également responsable. Vous voulez vraiment les voir progresser et grandir comme ils le souhaitent, dans n'importe quelle dimension, dans n'importe quelle direction. Et voir que cela s'est produit au fil des ans est encourageant et électrisant. Les réunir dans une exposition collective réunissant 11 artistes, dont moi-même, est un voyage circulaire et réciproque qui justifie tout le temps et l'énergie investis. En d'autres termes, on récolte ce que l'on sème, et c'est bien de cela qu'il s'agit. J'apprends aussi d'eux ; je me suis davantage réalisé. J'ai eu beaucoup de chance et de gratitude de les avoir eus comme étudiants, et cette exposition est ma façon de les remercier.

Sheena: Je ressens une immense gratitude. J'ai commencé le programme des beaux-arts en 1999 et j'ai obtenu mon diplôme en 2001. Lors du vernissage, j'ai vu tant de visages familiers - des gens que je n'avais pas vus depuis 20 ans. Cela m'a rappelé le fort sentiment de communauté que nous partagions à Dawson. Je suis particulièrement reconnaissante à Joe pour son dévouement à l'enseignement et pour avoir gardé le contact avec tout le monde de diverses manières au fil des ans. En tant que personne travaillant principalement dans le domaine de la sculpture, je me sens vraiment honorée de faire partie d'une exposition de dessins.

Joe :. Merci pour cela, Sheena. Cette exposition rend hommage à leur pratique et à leur engagement envers leur travail. Le respect qu'ils portent à leur pratique est au service de la communauté dans son ensemble.

Sheena : À 42 ans, mon rapport à ma pratique est tellement différent de celui que j'avais à 19 ans, et le fait d'avoir poursuivi cette conversation au fil des ans avec Joe et mes consœurs et confrères de Dawson a été un véritable cadeau.

O.M. : (les deux artistes) Que pensez-vous du programme d'arts visuels à Dawson ? Quel impact a-t-il eu sur votre art du point de vue de l'élève et de l'enseignant ? Pourquoi pensez-vous que ce programme est si important pour l'épanouissement des jeunes artistes ?

Sheena : J'aime la façon dont le programme d'arts m'a fait connaître une culture d'atelier partagé. Après avoir fréquenté plusieurs établissements et écoles, je trouve que la culture d'atelier de Dawson – partager son travail, se concentrer sur ses propres projets, discuter des idées et simplement passer du temps ensemble – est vraiment fondamentale. Elle m'a aidée à comprendre ce que signifie faire partie d'une communauté artistique.

Joe : Quel a été l'impact de l'enseignement sur votre art ? Je me souviens avoir toujours dit que "je suis un artiste qui enseigne", ce qui signifie que l'enseignement est un acte créatif ; il exige vigilance, surveillance, passion et compassion. J'entends par "créatif" la façon dont vous partagez vos connaissances et vos informations de manière à ce que les étudiants se sentent respectés et pris en charge, et qu'ils deviennent par conséquent inspirés et responsables de leur propre apprentissage. Dans ce scénario, l'enseignant est toujours en train de réfléchir de manière critique, de faire des recherches, de poser des questions, de réagir et de prendre des décisions judicieuses concernant les performances des élèves. Cette pratique de l'enseignement et de l'éducation s'apparente à une pratique créative. Elle me sensibilise en tant qu'artiste et m'aide à mieux comprendre comment communiquer par le biais de mon art.

Sheena : J'ai une anecdote pour illustrer le fait de laisser les gens trouver leur voie. Je suivais le cours de dessin de modèle vivant de Joe. Quand je lui ai montré mon portfolio, les dessins me laissaient quelque peu indifférente. Il m'a alors dit : « Tu n'aimes pas vraiment dessiner, n'est-ce pas? Ne t'inquiète pas, Sheena, tu n'as pas besoin de dessiner pour être artiste ». Cet encouragement, qui admettait l'existence d'autres voies, et qui survenait durant mes années de formation, m'a profondément marquée.

Joe : Il s'agit de beaucoup de choses, d'établir des interconnexions, de canaliser les relations et d'en être conscient. Il n'est pas nécessaire d'aimer tout ce que l'on fait, mais rien que cette expérience, c'est-à-dire savoir ce que l'on n'aime pas et comment cela nous affecte, permet de construire sur cette base. L'enseignement est une activité créative qui peut être source d'inspiration. Parfois, lorsque je travaille sur un dessin, je pense souvent à la manière dont j'aborderais mes expériences créatives avec mes élèves. La prise de risque, la résistance, le doute et, bien sûr, l'échec font partie de l'équation. Ainsi, après une journée d'atelier où j'ai l'impression d'avoir produit de la pure merde, je peux partager cette expérience avec eux. Les étudiants doivent savoir que, indépendamment de ce qu'ils produisent, ce qui semble indigne fait partie du processus ; nous avons tous de bons et de mauvais jours en studio, et que l'échelle du succès est constituée de nombreux échelons d'échec.

O. M. : (Sheena Hoszco) J'ai été très interpellée par votre travail qui porte sur le système carcéral. Pouvez-vous nous expliquer pourquoi ce sujet est si important pour vous?

Une chose dont j'essaie de me souvenir et que je partage avec les gens lorsque je parle du système carcéral au Canada, c'est que les prisons ne nous protègent pas. Si c'était le cas, nous ne serions pas entourés de violence. L'autre chose qu'il est important de se rappeler, c'est que les gens sont criminalisés en fonction de leurs conditions sociales et économiques. C'est pourquoi les autochtones, les Noirs, les personnes de couleur, les pauvres, les homosexuels et les personnes souffrant de maladies mentales sont incarcérés en si grand nombre. Selon une statistique souvent répétée, 50 % des personnes détenues dans les prisons fédérales pour femmes sont autochtones. Il s'agit là d'une extension de la façon dont le système carcéral a été fondé : un moyen d'éloigner les gens de leur terre et de leurs moyens de subsistance. Sur la base de ces facteurs, je me positionne en tant qu'abolitionniste des prisons. Je ne pense pas que les prisons puissent être réformées, et je suis inspiré par des générations de personnes qui le pensent également. Par ailleurs, j'ai de la famille qui a été criminalisée, et ma pratique artistique a été un moyen de comprendre et de décortiquer la dynamique de l'incarcération.

L.L.-B. : (Sheena Hoszco) Pour réaliser cette œuvre, vous avez dû beaucoup voyager, considérez-vous que ce long processus fait partie de votre travail ? D'autre part, qu'avez-vous ressenti en allant vers ce genre de lieu que les gens essaient d'ignorer ?

Ce projet a demandé beaucoup de temps et de déplacements, mais il est ancré dans mes convictions politiques sur la manière dont nous nous traitons les uns les autres. Il a fallu beaucoup de temps - environ un an - pour créer les frottis à différents endroits. J'ai même appris à conduire pour ce projet, j'ai acheté une camionnette et j'y ai vécu. Je travaille également avec des groupes de solidarité qui se rendent dans les prisons. Je le fais depuis une dizaine d'années. Les prisons sont intimidantes, surtout en termes d'architecture, mais j'ai aussi des amis et des camarades à l'intérieur qui sont incroyablement importants pour moi. C'est une arme à double tranchant : je comprends que c'est effrayant, mais je sais aussi que les gens à l'intérieur sont incroyablement résistants dans un contexte très dur.

Au Québec et dans la plupart des régions du Canada, plus on s'éloigne des grandes villes, plus le niveau de sécurité des institutions est élevé. Plus le niveau de sécurité est élevé, plus les personnes à l'intérieur sont cachées. Parfois, c'était assez tendu de s'approcher des bâtiments, et je ne pouvais pas m'approcher trop près. Mais il s'agit d'un risque administratif, je n'étais pas vraiment en danger. Ce projet m'a également aidé à travailler sur des questions personnelles liées à l'histoire de ma famille et à la manière dont je veux continuer à soutenir la justice pour les prisonniers. Il y a quatre ans, j'ai repris mes études. Je suis actuellement candidate au doctorat en études culturelles à l'université Queen's, où j'étudie la création artistique dans les prisons et sa relation avec les mouvements sociaux.

35+ Prisons au Québec est un projet en cours, et je suis encore en train de déterminer où il va et quelle sera sa forme finale, s'il y en a une, parce que je veux qu'il se désintègre avec le temps. Ce qui est important dans ce projet, c'est qu'il ressemble davantage à une ouverture ou à un point de départ pour d'autres actions.

L.L.-B. : (Joe Di Leo) Dans vos deux œuvres, l'influence du monde naturel est évidente et je me demandais quelle est, pour vous, la relation entre l'art, l'artiste et la nature ?

Tout est lié, l'art est le produit de mon appartenance à la nature. Dessiner prend du temps, dessiner c'est du temps, le temps c'est la durée, la durée c'est l'intimité, et l'intimité c'est le dessin. Ainsi, pour moi et la nature, une partie de la création artistique concerne la façon dont nous sommes tous interconnectés. J'aime me déplacer dans la nature, j'apprends des choses dans la nature, je vis dans la nature, j'explore, je dessine à partir de la nature à l'occasion, et ce type d'interconnexion fait de moi ce que je suis. Cela m'électrise, cela me permet de me réaliser. Ces expériences me permettent de mieux comprendre le sentiment post-humain ou le sentiment plus qu'humain au-delà de l'Anthropocène, où les humains se considèrent au-dessus de la nature. Je crois que nous faisons tous partie de ce monde unique et sensible. Faire de l'art et apprécier les expériences dans la nature, c'est réimaginer et rejouer le souvenir de rencontres momentanées avec des êtres sensibles. C'est donc une partie de la façon dont j'exprime ma créativité : l'idée de faire partie de quelque chose de plus grand que moi. Mes dessins sont le produit de cette idée et de la fascination pour ce qui me rend entier.