Entretien avec David Stewart par Katerina Kieran et Lisseth Llorente Ruiz

David Stewart est un artiste visuel né à Saskatoon, élevé à Port Coquitlam, en Colombie-Britannique, et établi à Montréal. Son exposition actuelle, Cuts from PoCo, est présentée à la Warren G. Flowers Art Gallery du⁷ septembre au 14 octobre. Deux étudiantes en^deuxième année d'arts visuels, Katerina Kieran et Lisseth Llorente Ruiz, ont eu l'occasion de s'entretenir avec David Stewart sur la vie, l'œuvre et le processus créatif de l'artiste.

KK : Une expérience personnelle spécifique a-t-elle déclenché votre désir de poursuivre une activité artistique ? Quand avez-vous su que c'était ce que vous vouliez faire ?

DS : Pour moi, ça s’est fait par étapes. Enfant, j’ai toujours aimé dessiner parce que ça m’aidait à me détendre. J’ai reçu beaucoup d’éloges et de soutien, mais c’est un concept un peu bizarre de penser à gagner sa vie comme artiste quand on est si jeune. Plus tard, vers la huitième année, j’ai vaguement pensé à devenir un artiste. Je me souviens d’avoir ouvert un livre de Salvador Dali et d’avoir été stupéfait par les peintures. Je ne comprenais pas comment la peinture pouvait créer des œuvres aussi impressionnantes que les siennes. J’étais époustouflé! Vers l’âge de 13 ou 14 ans, ce désir de poursuivre les arts s’est solidifié. Mais ce n’est qu’à l’âge de 16 ans, lorsque j’ai eu la chance de voyager et de découvrir les canons européens de l’art, que j’ai commencé à y penser sérieusement. C’est à cette époque, à Noël 2003, que j’ai reçu mon premier ensemble de peintures à l’huile. Je me souviens encore de la sensation ressentie quand j’ai enduit mon pinceau de peinture à l’huile noire et que je l’ai fait glisser sur la toile pour la première fois. Bien sûr, nos récits se créent à mesure qu’on avance dans la vie. Pour l’instant, c’est le mien.

LLR : Pouvez-vous nous parler un peu de votre parcours scolaire, et plus particulièrement de votre expérience à Concordia ?

DS : Je me suis intéressé à Concordia en raison du concours national de peinture RBC, qui s'adresse aux jeunes peintres émergents. J'ai remarqué que de nombreux lauréats avaient étudié à Concordia. J'ai pensé que l'université me conviendrait, car elle s'inspirait d'influences européennes et était située à Montréal. Cependant, comme je me suis inscrite à ma maîtrise en 2019, mon expérience a été stimulante et unique, et je ne pense donc pas pouvoir servir de référence. Ironiquement, ces œuvres d'art n'ont vu le jour que parce que je suis revenue en Colombie-Britannique pendant la pandémie, alors que tous les cours se déroulaient en ligne. Je dirais cependant que l'une des forces de Concordia est d'offrir un éventail vaste et diversifié d'enseignants et d'approches artistiques, de sorte que je pense qu'il y en a pour tous les goûts. Plus il y a de points de vue, mieux c'est ; essayez autant d'approches différentes que possible. Cela dit, si un étudiant souhaite être guidé, ce n'est pas forcément le cas. Les écoles d'art se concentrent davantage sur la technique, tandis qu'au niveau universitaire, l'accent est mis sur les aspects conceptuels de la création artistique.

KK: Y a-t-il des artistes ou des mouvements artistiques qui vous inspirent ?

D.S : Dali a été mon point de départ, il est probablement un premier amour pour beaucoup d'artistes, mais les intimistes du début du siècle dernier avec des peintres comme Bonnard et des contemporains de Matisse ont eu une influence importante sur mon travail. Je m'intéresse davantage au contenu d'une peinture qu'aux couleurs qui travaillent avec elles-mêmes. J'aime beaucoup le travail d'Andrew Cranston et de Peter Doig, et on peut voir l'influence du post-impressionnisme dans leurs peintures. Eric Fischl m'a également beaucoup influencé, car il a été l'un des premiers peintres à explorer les espaces et les réalités de la banlieue. Ce sont là quelques-unes des influences qui me viennent à l'esprit, mais tout cela finit par ressembler à une grande soupe, où l'on mélange les influences et les idées, où l'on jette tout, mais où l'on n'oublie jamais de ne pas s'éloigner de l'essentiel.

KK: Que considérez-vous comme une peinture "terminée" ? Comment décidez-vous qu'une œuvre est terminée ?

D.S : Je veux dire que les délais peuvent certainement aider à déterminer quand le travail est terminé ! J'ai une règle : une fois que j'ai photographié la peinture, elle est terminée, mais j'ai déjà enfreint cette règle à plusieurs reprises. Par ailleurs, le fait qu'un tableau soit posé dans un coin de votre atelier et que vous y reveniez plus tard pour travailler dessus peut être la clé de son achèvement. Une peinture doit être posée sur un mur, et si elle fonctionne, cela se révélera au fil du temps. Parfois, j'en fais trop et lorsque je regarde les photographies prises auparavant, j'ai l'impression qu'il n'y avait pas besoin de travailler davantage. Souvent, il est important de faire confiance au processus de peinture.

LLR : Quelle est la part de l'intention et celle de l'improvisation ? Combien de temps passez-vous sur une pièce, en fonction de cela ?

D.S: Cela m'arrive rarement, mais pour Tower Shadow, j'avais un plan, et il était très simple. Avec la plupart des autres peintures, cela peut ressembler à un combat. Red Jacket a une dizaine de peintures à son actif parce que je n'ai pas cessé d'ajouter et de retravailler. C'est comme un jeu, comme si la peinture elle-même avait une personnalité. Vous avez une conversation avec le matériau, vous faites une marque et vous réagissez à ce qui se passe. Cela peut vous donner un sentiment de puissance, presque de Dieu, et puis le lendemain, vous pouvez voir le même tableau que vous pensiez parfait et vous dire "quel tas de ferraille". Parfois, seule une partie du tableau fonctionne, et vous devez vous débarrasser du reste, ou le retourner, ou tout simplement recommencer. La peinture est à la fois une affaire d'instinct et de planification. Les coupes de PoCo ont toutes été réalisées à partir de photographies, mais souvent elles ne fonctionnent qu'à moitié en termes de composition ou de couleur, et je dois alors les retoucher. Dans les premières étapes d'une peinture, je suis souvent volontairement négligente, car cela favorise la survenue d'erreurs que je peux explorer. Il m'arrive même de travailler à partir de photographies floues ou peu claires. Il est important de ne pas avoir peur des erreurs ; elles peuvent mener la peinture là où elle doit être.

KK : Comment choisissez-vous votre palette de couleurs pour chaque tableau ?

D.S : La personne avec qui je vivais en colocation avait souvent l’habitude de dire que je faisais des peintures «en sauce brune», et je détestais ça. Mais il est vrai que ma palette a tendance à aller vers les tons de brun. J’essaie toujours de faire quelque chose d’inhabituel ou d’essayer de nouvelles couleurs pour éviter cet effet. Ça m’inquiète, car je ne veux pas avoir de formule pour créer mes œuvres. J’ai récemment acheté un tube de peinture violet cobalt et j’essaie de trouver une façon de la travailler. Parfois, je peux utiliser les belles couleurs de l’image source et parfois, c’est une question d’intuition. La première couche influence toujours le reste de la toile. Il est donc important de bien choisir ses couleurs de base. Les couleurs complémentaires se marient bien avec les couleurs de base une fois qu’elles sont superposées. J’essaie habituellement de ne pas tomber dans des formules rigides, même si c’est difficile. Les peintures sont comme les épices en cuisine. Chaque épice se comporte différemment: certaines peuvent être utilisées en grande quantité et d’autres pas. Il est important de toujours explorer les médiums et les couleurs, car travailler avec une nouvelle couleur peut changer votre façon de faire.

LLR : Préférez-vous travailler avec des couches de peinture épaisses ou fines ? Nous avons remarqué que certaines pièces ont l'air lavées à l'eau avec plusieurs couches fines tandis que d'autres ont l'air plus épaisses, et qu'un mélange des deux est utilisé dans Deboville Slough.

D.S : Tout dépend de l’endroit d’où provient la lumière dans le tableau. Par exemple, dans mon tableau avec le policier, l’effet luminescent vient de l’utilisation de la couleur qui crée la lumière comme fond et de la peinture par-dessus. Il est également possible d’utiliser des ombres fines et des sources de lumière épaisses, mais je préfère procéder dans l’autre sens. La peinture peut créer de la luminosité grâce aux couches de base, aux couches épaisses et fines et aux sous-couches, mais honnêtement, je fais mes choix en fonction de la peinture que je peux acheter.

KK : Quel est votre processus pour décider comment travailler avec certaines parties de votre art - en termes de manipulation de certaines parties, de détails et/ou d'absence délibérée de détails ? Par exemple, les couches de peinture grattées pour révéler ce qui se trouve en dessous dans Night Swimming.

D.S : Si un étudiant veut vraiment se lancer dans la peinture, l'une des compétences de base est la surface (toile, gesso, etc.) - votre surface est votre base. Si vous maîtrisez cela, vous avez une longueur d'avance. Il est nécessaire de gratter la peinture si elle ne fonctionne pas. Night Swimming était une peinture qui ne fonctionnait pas, Susan Scott, une enseignante et mentor, l'a qualifiée de mauvaise peinture. Dans ce genre de situation, je prends un couteau à palette et je gratte la surface. Jackson Slattery, membre de la faculté des beaux-arts de Dawson, m'a également influencé. Il a remarqué que je dépensais beaucoup d'énergie à mettre des choses dans mes tableaux et m'a suggéré de me concentrer davantage sur la surface. Lorsque vous voyez des empâtements dans mon travail, il y a de fortes chances que j'aie gagné une bourse ou quelque chose du genre - la peinture de bonne qualité coûte cher ! En fin de compte, c'est la peinture qui vous dira ce dont elle a besoin.

LLR : Intégrez-vous délibérément des symboles dans vos œuvres ? Par exemple, il semble y avoir une forme circulaire distincte dans Night Swimming et dans Harrison Lake Swimmers.

D.S : Parfois intentionnellement, parfois non. Mes œuvres passées étaient souvent chargées d'objets et de symboles, et j'ai du mal à les regarder aujourd'hui. Dans mes nouvelles peintures, il y a un lien étrange avec le christianisme ou la spiritualité. Par exemple, une peinture récente d'un de mes amis flottant dans une piscine évoque l'image de Jésus sur la croix. Oui, il y a un lien avec le canon européen de la peinture ; je cite parfois des tropes de l'histoire de l'art. Comme dans certaines œuvres du Caravage, je pense que certaines des meilleures peintures représentent des moments juste avant ou juste après un événement. Il y a une relation entre l'art et le cinéma dans ce sens, dans la façon dont il raconte une histoire. Dans ses peintures, il y a également un lien entre le sacré et le vernaculaire. C'est quelque chose que j'explore à travers les détails qui représentent une personne spécifique de mon passé et qui situent le tableau pour le spectateur.

LLR : Comment et quand avez-vous développé votre style et/ou votre support de prédilection ?

D.S : Je ne pense pas en termes de style, c'est une façon très limitée de penser l'art. Les artistes font souvent référence à leur "pratique", que j'utilise parfois pour décrire le travail (à contrecœur). La peinture n'est pas un métier à part entière, ni une discipline académique de plus (même si les universités prétendent le contraire), elle est un peu désordonnée et difficile à catégoriser. Il s'agit d'explorer des techniques et des matériaux, dont certains sont enseignés, tandis que d'autres sont des découvertes accidentelles. Dans l'action, le processus se résout de lui-même. Nous marchons tous, mais l'usure de nos chaussures est différente. Il s'agit davantage de découverte de soi et d'expérimentation que de style. Il ne s'agit pas de réponses, mais de questions que l'on pose et de ce que l'on veut explorer. Cette exposition pose des questions sur mon passé. J'ai des pièces sur Montréal, d'autres sur un voyage avec un ami. Je suis encore en train de réfléchir aux questions que je pose et de les affiner. J'espère que dans 20 ans, je serai encore aventureuse. J'espère ne jamais avoir de style !